清新淡雅之美——工笔艺术
沈文媛创作主攻花鸟，工、写兼备，体材广泛，优擅牡丹及藤内植物，笔墨研习历代名家之精髓，通过对自然界物象写生，观察，理解到审美，融汇贯通，运用传统笔墨结合现代绘画元素，创作出具有强烈视觉感和时代感的作品，经过数十载的锤炼逐渐形成自己艺术风貌。
沈文媛，安徽芜湖人，自幼酷爱绘画，在绘画历程中得到诸多名师指点。2002年研修于北京画院，石齐工作室。2014年研修于清华美院，2015年研修于人民大学画院。作品多次参加省级全国性大展并获奖，成功举办过个人展及联展。作品被编入诸多画集，并在报刊杂志上发表，部分作品被国家大型机构博物馆、美术馆等相关单位收藏，众多作品被海内外及国际友人收藏。现为中国美术家协会会员，中国工笔画学会会员，中国石齐艺术研究会画家，国家一级美术师，国展创研班导师，现居北京。
清新淡雅之美
——浅析沈文媛的工笔花鸟艺术
文｜祝天文
（《中国书画市场报》主编、主任记者）
作为主攻工笔花鸟画的画家，沈文媛女士有自己的审美取向和艺术语言。其二十多年如一日，浸淫绘事，不娇不躁，研练揣摩，终于形成自己清新淡雅的艺术风格。
通过仔细品读沈女士的工笔花鸟作品，我分明感到她的作品不仅有古典工笔画的特质，而且兼具现代艺术的元素。既传神写意、形象鲜明生动，又不失形态的通真，它不仅以其清新、妍丽、淡雅的装饰美展现在观者面前，而且以其天真、通真入神的自然美契合了现实生活的审美需求。
应当说沈女士的工笔花鸟画在用笔、设色和造形方面有自己的变革和创新，而这一点恰恰是中国画在变革和创新方面存在问题的难点所在。沈女士的作品通过大胆的创新实践和探索，力求在绘画语言上进行突破。有意摒弃和弱化用笔，采用明暗造型和色彩造型；既以轮廓、结构和肌理区别物态，又重视以形体和色彩的语言呈现逼真可感的物态。
沈女士的工笔花鸟画在绘画语言上不仅符合现代生活中人们的审美习惯和审美情趣，而且也融入了我们的现实生活；与此同时其作品不但把握了时代脉博，而且传达了中华民族与自然万物的独特的审美关系。
沈文媛女士童年生活的地方，安徽芜湖，那里物华天宝，人杰地灵。自然景色美不胜收。这一切在画家童年的记忆里都留下了不可磨灭的印记，从而成就了她的画家理想，也练就了她从容淡定，开朗大方的心胸和襟怀。大自然的花开花谢、虫鸣鸟啼，以及宇宙循环往复的自然规律，都融合在画家内心的生命感应中。
如在《紫月》《清香》等作品中，通过对自然物象细致入微地观察和研究，实现了对自然界宇宙万物的深刻领悟。在她的作品中，无论灵雀、鸣蝉、松鹰、锦鸡，还是牡丹、夏荷、葡萄都展现出自然界的勃勃生机，诠释着她对自然生命精神的理解和领悟。观其作品，可以说是情随心动，意由情生。画家笔下的每一个物象，都是生命的律动和自然万物精致微妙的情思和体验。
写实是工笔画在写形上区别于写意画的最根本的特点。画家沈文媛就是通过真实精准的造型，细致灵动的用笔，丰润的设色达到的，但工笔画的写实不是越细致、越具体、越真实越好，而是通过提炼物象的本质，以突出物象的形态，因而细节的真实才是工笔画的生命，没有细节的真实总是苍白无力的。
无论工笔人物画或是工笔花鸟画，一旦失去了细节的真实，其艺术魅力也荡然无存。精准细节刻划是为了更好地表现主体，充实主体。因此沈文媛女士的花鸟画都精妙入微，而且富有生气。画家在细节的处理上不仅慎之又慎，而且富有意趣和灵性。
工笔花鸟画是用线造型的艺术，线不但要表现物象的结构和轮廓，而且要表现质感和光色，更重要的是表现画家挚热的人文情怀。沈文媛女士的作品，用笔用线细腻匀称，设色淡雅明丽，构图疏密有致、飞鸟鸣禽往往用细笔刻划，而背景环境则用水墨渲染，结合得自然和谐得体。如作品《听风》《思.觅觅》。
其实她的写意花鸟画也有自己绘画风格和艺术特点，观赏其作品，无论是斗方小品，还是巨幅大作都使人感悟到自然生机之所在；花儿烂漫，雄鸡高歌，鱼翔浅底，麻雀在天空中展翅飞翔，家禽在树荫下觅食等等这些作品均以凝练灵动的笔墨，描绘出大自然博大精深的内涵，凸现出画家对生活深入细致地观察和对自然事物本质地深刻把握。其个性鲜明，大胆创意，用笔简洁流畅，章法考究，意蕴深远。
她的作品看似写实，而实际上则是兼工带写，是诗意的表达、精神的渴望和理想的追求，是其生命中艺术情调的寄托。因而我有理由说沈女士的工笔花鸟画不同于传统意义上的工笔花鸟画文本，其作品以独特的审美眼光和具体可感的审美意象，来表现大自然的生命之美，从而抒发了画家热爱生活、热爱大自然美好愿望。
从宋元遗风到当代绘画，张译丹以其反复的探索，建构了当代工笔艺术的新概念与新思维。在她的作品中，当代人的迷茫、彷徨，总是若不经意地周游于唯美的超现实山水间；而记忆之光下的莲花、山水符号，则若隐若现地弥散出救赎的意义。
张译丹，原名张冬卉，堂号境心斋。中国国家画院一级美术师，美术学博士后，南京师范大学硕士研究生导师，中国工笔画学会理事，中国女画家协会理事，中国美术家协会会员。中国国家画院美术研究院研究员，兼任《中国国家美术》学术主持。师从著名山水画家龙瑞先生和著名工笔人物画家唐勇力先生,现为杨晓阳先生博士后。国家艺科青年课题“1978—2008中国画之当代研究”负责人；国家重点课题“中国现代美术史”、“中国画院史”的主要承担人。工笔画作品《逝》获2008年“造型艺术新人展”新人佳作奖；工笔画作品《惑》（合作）入选第十一届全国美展；作品《翔》入选第四届全国青年美展；作品《翔·云》获2012年全国造型艺术展银奖。作品《游》入选文化部第十届艺术节全国优秀作品展。
杨晓阳（中国国家画院院长）：
张译丹是一位修为全面、非常优秀的青年艺术家，她的研究和实践是齐头并进的。她对多门类艺术形式的敏感，为她开辟了极为广阔的创作道路；而她温厚、冷静的创作心态和丰厚的理论积淀，也造就了其作品的清雅、细致风格和意味隽永的品质。我期待张译丹取得更大的成就。
唐勇力（中央美术学院中国画学院院长）:
张译丹的作品有这么几个特点：一是非常有想象力，就是说她能够把现实生活和人的本性、人在现实中的生活状态和人的意识结合起来，构成一种带有幻象的、超时空的创作构思和立意，想象力和创作力很强。二是她的画面控制和对绘画整体气息的把握很好，绘画的品味比较高。绘画最重要的就是品位要高。画的品位体现了一个人的审美意识。
那么，从译丹的画面构成上、色彩上、线条的勾勒和染法上，体现了她对工笔画的认识和高品位的格调。三是她的造型能力很好，她能够把她所需要的在画面上体现出来，把线、形和神之间结合起来，她把自己对造型的认识和造型的关系把握得很到位，说明她作为一个人物画家，她的造型能力和对造型的认识在当今画家当中是比较突出的、比较扎实的。
曹意强（中国美术学院人文学院院长博士生导师）：
无论是青绿山水还是水墨山水，抑或是工笔人物，张译丹的画作始终弥散出一种文人的书卷气，多年的艺术研究为她的创作奠定了深厚的人文基础，她在绘画创作和美术理论的深厚学养，使她得以轻松游走于古今、东西之间而不失文人本质。读她的画作，会清晰感受到一种沉着冷静的创作心态，一种深沉静谧的人文情怀。
尚辉（《美术》杂志执行主编）：
她不是工笔重彩，她是工笔淡彩，用渲染的语言，在她的画面里用面大于用线的语言，你去看看她的作品，渲染产生的各种灰调的变化，大于她用勾线那种疏密度的形式感。或者说靠这样一种渲染的灰度，也很好地体现了她对中国画和工笔画现代性拓展之间的连接。
梅墨生（中国国家画院美术研究院的研究员）：
我个人也是比较偏好她的青绿山水，其实她的画我觉得如果从构成的角度看，有西方的一些构成的因素，一些抽象的因素，当然从传统的角度，也能看出她从传统吸收的一些东西，我觉得她的青绿山水给我们一种介于中西之间的这种形象。我现在特别想说的是译丹特别用心，而且确实很有才气。我觉得前途无限。
高天民（中国国家画院美术研究院常务副院长）：
中国传统画论讲“中得心源”，自然性语言，心也是语言，所以说这个两言能够会合到一块，恰当地在一个人身上体现出来，我觉得这需要经过一番磨合，糅合之后，才能够反映出来。
所以由此来看，我们可以通过这个角度来看译丹的作品，他是一种心源，心象的体现，但是它没有离开外在的自然。而且从译丹作品来看，工笔画完全可以是进入当代，而且还可以成为当代艺术的一部分。特别是在张译丹作品中，她的这个空间可能还不仅仅是我们常说的事物与事物之间距离的空间，可能更多的还体现为一种心灵空间。
卢禹舜（中国国家画院常务副院长）：
我感觉张译丹的画比较全面。首先思想观念很深刻，也很新颖，同时技术性问题解决得很好，她有精神层面的指导和高度，使得技术性问题能够和内容、形式得到高度统一，我觉得达到了非常好的艺术效果。她表现的作品很具个人的感受，一些内容表现得也比较到位，而且很工整很细致，表达心境也很细腻；
作品当中表达出的思想观念的深刻，就更加突出和明显。同时，设计非常缜密，使得画面内容和形式形成高度统一和完整。从思想观念的指导、精神层面的把握到技术层面的提高，达到了精神状态的自由畅想，这一点是非常难得的。另外，她的作品关注现实，关注人生，是对心灵的一种挖掘。
陈玉芳，1969生，江苏沭阳人。江苏省美术家协会会员，江苏省书法家协会会员，中国古琴学会会员。2012一2013年，在中书协培训中心学习书法，师从胡立民导师；2014一2015年，在美术报名家工作室写意花鸟画高研班学习，师从中央美院中国画系主任、博士生导师张立辰教授；2016一2017年，于北京画院学习，师从方政和导师；2016年6月，在北京举办个人画展；2018年1月，在江苏存真堂美术馆举办个人画展。
初看陈玉芳的花鸟画，不过是些常见的梅花，牡丹，四季花草类，亦有家常的蔬果，如现当季的石榴。但细细读来，又似在她轻描淡写的花花草草外，瞥见了一些独有的精致，画家一定是有一颗淡然处世又能发现平凡之美的心境。
一幅画要有“生香活态”，这“生香”即生命之香，不仅包括客观物象的生命气象，还包括作者的精神情态。画中的生香活态来源于画家真实的生命体验，丰富的生活经历造就艺术的生命活力。
陈玉芳偏爱轻柔雅致的色调，营造出一种如梦似幻的意境并将没骨技法用至极致，将自然中的花鸟活灵活现呈现于画面中。万物都在她的笔下生动起来，陈玉芳会把梅花的精神气质与个人内心的柔韧、细腻、多姿、雅逸的情怀，表达得生动曼妙，委婉活泼。正所谓笔墨造型出自画家之手，发于画家之心。
王辉：中国美术家协会会员。四川美术家协会会员。四川工笔画协会理事。1981年生于湖北。2003年毕业于湖北美术学院，学士学位。2006年毕业于广西艺术学院。硕士学位。现任职于绵阳师范学院美术学院。
搜妙创真——王辉的工笔画
文/ 梁时民
诗意与当代，是王辉作品给观者留下的印象。反复的渲染和洗，使他的作品沉淀出一种安静、唯美的画面氛围。同时，他的作品追求造型的严整，构图和布局也十分讲究，细节处反复推敲，韵味无穷。
王辉利用教学空闲时间画了许多小品创作，这些作品尺幅虽小，但境界不小，他将宋人花鸟画的格物精神融入到当代工笔画的多元语境之中，用当代视角去理解古人工笔花鸟画中透露出的东方审美情怀。
色彩是一位画家绘画语言的重要组成部分，如果线条是中国画的骨，那么色彩就是它的神采，也是最令观者印象深刻的视觉语言。王辉的作品可以感受到作者隐藏在素雅的灰调子里的情绪，他的《一花一世界》系列作品创造了一种充满神秘的世界，在文人画的审美意象中增加了荒诞的现代感，虚无、疏离而又充满趣味。
那些隐逸于莲心的动物形象，是一种语言，更是画家心境的传达。唐·张彦远《历代名画记》中说“上古之画，迹简意淡而雅正”，画家想要营造出一种典雅而不张扬的色彩感受。
传统工笔画，在“随类赋色”的审美原则下，产生出了独具东方情怀的设色手法，矿物颜色的沉郁明亮与植物色的透明灵动，使中国工笔花鸟画的色彩呈现出一种超越自然的和谐之美。王辉的作品擅长在中度灰的色调中，融入赭石、石绿、朱砂等矿物颜色，作品显得更加稳重，色彩的多次薄施胜过了堆砌厚涂，也丰富了作品的解读性。
文/马力平
（绵阳市美术家协会主席）
王辉的工笔画作品题材广泛，在人物画和花鸟画方面都有建树，他的人物画作品，色调文雅沉郁，他喜欢灰色的调子，画面气息唯美，作品中的人物形象仿佛来自于画家的心境亦或是一种意向中的的情境，人物并不是设定在现实的空间中，人物形象也带着画家强烈的个人特点。
暗灰的调子里，人物的神情被淹没在虚虚淡淡的空间中，仿佛，天与地之间，一切事物之间都保有的密切联系，以至于无法割舍的情结。这样的创作是一种很个人化的过程，画面传达出一种时间的荒芜和弥漫着的思绪。
王辉是一个思维敏锐细腻的画家，创作手法多样，最近看到他的系列作品《一花一世界》，盛开的莲花占据画面大半空间，于花间可见拟人化的麋鹿，长臂猿，环尾狐猴等动物形象，构图大胆，造型饱满生动，这一系列作品，色彩更加宁静、安详，给人一种诗意的联想。莲花寓意纯洁和无尽的生命，这些活跃其间的生灵，带领观众进入一种梦境般的神秘世界。
这一系列作品是他近年来对花鸟画的思考和新的尝试，可以感受到他试图从传统花鸟画的模式中走出，以个人的生命体验去寻找心灵的栖居。
我希望我的画能像面对面聊天一样，成为沟通的方式，这也是艺术的魅力所在。只需一张纸、一支笔，就会有人为你的画动情，我觉得这是一件挺棒的事。
——秦艾
秦艾是从南通唐闸走出的美女画家，她的父亲秦能是南通书法界的名家。作为新工笔画的杰出代表人物，秦艾擅长营造空间感，注重对多层空间的渲染。绘画于她，是无法割舍的空气与养分，让每一天的生活都鲜亮如新。她擅长将中国传统的工笔绘画技法与西式的图景制作相融合、贯通，处处流露着鲜明的时代气息。
秦艾：1973年生于江苏省南通市，1996年毕业于南京艺术学院美术系中国画专业，现为职业画家，生活于南京。2001年至今，作品先后参加上海美术馆、江苏省美术馆、北京画院美术馆、北京中国画研究院美术馆、台北平艺术品空间、北京今日美术馆等举办的多个展览。
秦艾在绘画技法上保留了传统工笔画的特点，除了没有勾勒线条外，大多都是以传统的 “三矾九染”技法绘制而成。
“时间”
秦艾作品中的时间多以静止的状态呈现，如一个故事情节的定格一般，她能将时间的线性以片段形式表现出来，就是刹那时刻，不多不少。
“空间”
空间的构成，是秦艾创作所表现出的最大特色，并且作品中的空间内涵具有多层意蕴。
第一层意蕴，体现于独特的构成与透视技巧。她相信多重空间是表达平行时空的管道，据此以展现“一样的世界，不一样的空间”的概念，让观众反思“真假”的状态，以呈现东方绘画的“虚实”思想，同时保留了东方绘画的客观叙述方式。
第二层意蕴，体现于定格空间与时空的关联性，以及包裹其中的空间哲学观念。秦艾的创作所描绘的都是定格时空，而空间的时间轴由不同的定格片段组成，定格时空就是凝固画面当中的流动性，这使得观众更能够接近画中空间的真实模样。
“情感”
秦艾的画素来喜欢以动物作为主角，尤喜麋鹿。画中动物的澄明眼神向我们透露出秦艾以动物作为人类化身的信息，意在暗喻：另一个平行世界的人类或许并不如自身的想像般强大，并借以逃避现实的迷惘。
她是当代画坛上一颗闪亮的新星。从22岁开始，即以山水画作品入选全国美展，并被中国美术馆收藏。
而近五年来，又多次参加全国美展，成果叠出，成为了中国美术家协会会员，尤其是以中国山水画作品参展，又这么年轻，这是在画坛上绝少的。
李 婷
1992年生于甘肃天水
毕业于新余学院 美术教育
中国美术家协会会员
（文/叶鹏飞）
李婷的山水画作品，体现出她对中国山水画传统得认识，有着自己的灵性，她把握了中国画传承演化的文脉。
李婷在大学期间，就深感振兴传统的重要，并将重点选择在山水画上，开始了她执着的耕耘。李婷在研习中，能充分地把握好山水画发展的文脉，不论是南宗或北宗，她都细心琢磨。
对董源、巨然以及范宽，郭熙等深刻理解，以此再体会“元四家”、“新安画派”等地域特色，理清山水画演变发展脉络，从中寻找最适合自己艺术追求的笔墨形式，催发了她以“南宗”为笔，“北宗”为体的融会贯通的把握方法，走着一条取法乎上的师古之路，处处体现出她的灵性—即传统的把握度。
她自己从小生活在黄土高原上，而大学又在风景秀美的江西新余。故而，西北山水的浑朴，江南山水的灵秀，正与她追求的“南北宗”融合的目标相一致。在李婷的笔下，有繁密的山水构图，却又不失空灵，有峻奇的崇山险壑，却又不失秀逸。
山村之自然美，自然之纯净境，在她笔下转换出她自己的灵性，塑造了她的自我之美。可以说，她的山水画面上的造化之物，不是眼中所见，而是慧心所化，借笔墨在纸上的显露！
从李婷的山水画上，又能看到她对传统笔墨技法的把握度。她的用笔都是从传统出，却能临机而发，笔随心转，自发灵性。尤其在墨彩得运用上，大多着重于用墨，施彩以浅绛、浅青为主，这也凸显出她创作上的特色和难度，笔墨的本质特征成为她的特色。
她也有多幅满构图作品，如《丹桂家园》系列，以丰富的色彩，工细的笔墨，尤其是以浓墨表现天色，以墨衬彩，形成墨彩的对比，恰又和谐统一，这奇特的用墨用彩都是她的灵性独运，显示出她山水画创作的全面性，这也是她对传统进行现代性转换得尝试。
她没有被形形色色的时尚画风和新奇形式所打动，她徜徉于传统，得创造于自然，心游于自己所追求的画境之中，认真静气地对中国山水画的传承与创新的思考，进一步弘扬发掘山水画的民族特色，形成了自己“新古典主义”画风。
张勤：1974年出生于江苏盐城，中央美术学院文学硕士、艺术学博士，师从郭怡孮教授研究中国花鸟画，现为中国美术家协会会员，江苏师范大学副教授，美术学院硕士研究生导师，中国画教研室主任。
张勤作品欣赏
苏凌云：1979年生广西桂林人。2002年就读于于广西艺术学院桂林中国画学院，中国画（花鸟）方向，师从著名画家余永健教授，2005年毕业获文学硕士学位。现任教于广西艺术学院中国画学院/漓江画派学院，副教授，硕士研究生导师，中国画学院/漓江画派学院基础部主任。
——苏凌云工笔花鸟画小品印象
文/李永强
凌云属于“小家碧玉”型的南方姑娘，性格柔和、容易相处，朋友们亲切的叫她“阿云”。阿云师从于著名花鸟画家余永健教授学习工笔花鸟画创作，并取得了不小的成就，这从其近几年创作的艺术作品与不断探索的艺术探究精神中可见一斑。
阿云的花鸟画总是一片宁静与祥和，呈现出沉静娴雅、明丽细腻、清朗秀润的绘画风格。几枝折枝，几朵小花，偶有小鸟飞落其间，却不破坏画面的宁静，正应了“鸟鸣山更幽”之意境。
阿云的花鸟画主要研习宋代院体花鸟画，继承了典雅、工细和诗意的绘画特点与风格。阿云通过绘画表达了中国传统的审美关照方式与作为审美主体与造化万物之间的和谐统一关系，具有较强的抒情性与诗意性。
阿云的绘画题材主要集中在茶花、梨花、栀子花、紫荆花等南方常见的几种花卉植物，她立足于本土，深入自然进行观察、写生，并以写生为基础，以寓兴、写意为目的，注重“与物传神”，并“夺造化而移精神遐想”。
她从宋代院体绘画中吸取其精细工整的用笔、生动传神的状物和明丽辉煌的设色，结合南方地区特有的题材与自然风貌，形成了独具南方风景特点的一种唯美、平和、田园诗意般的绘画风格。
这些在金笺上创作的花鸟画小品，设色清丽明艳、典雅素丽，与金笺的底色相互辉映，更增强了画面的效果。画面注重动静结合，以“动”境衬托“静”境，来营造画面的生机和趣味。
阿云笔下的这些或清丽动人、或精工典雅的花鸟画小品不仅仅是自然造化的精神传达，更是蕴含着一种温柔闲适的静美情韵。对生活、自然的热爱之心，穷究事物精神之观察能力，娴熟精湛之技艺，在其作品中得到了综合体现，
画面中枝叶花草、飞鸟蜂蝶，情思充盈，都蕴含着古雅之风，平淡之趣，这些都充分说明了阿云在艺术上的灵性与成就。