从身体铸型到印度女性眉间的红点，巴尔提·卡尔的艺术语言
“我拆解事物是想要了解它们。”巴尔提·卡尔（Bharti Kher）说。
巴尔提·卡尔温馨如家的新工作室坐落在印度首都新德里繁华的郊区。她的工作室是一个简约的多厅空间，存放了大量装置、物件和正在创作的作品。卡尔的实践基于她作为艺术家处于国家和社会之间的定位，她自1990年代起探索的材料和图像反映了她从1969年出生在英国，到1993年搬到新德里的经历。摄影作品《Making Monsters》捕捉了卡尔在印度厨房里准备经典英式甜点苹果酥。相比之下，绘画作品《Death of a Snake Charmer》的主要部分描绘的是印度中产阶级家庭餐厅中常见的一排椅子，左下角则是仆人的房间，折射了印度的社会经济差距。
有趣的是，《Don’t Eat Meat on Tuesdays》的作品标题具有预见性。从2021年3月起，包括卡尔居住的古尔冈（Gurgaon）在内的印度邦出于宗教原因禁止在星期二卖肉。这一系列画作刻画了以军用迷彩布块为背景的行李箱，这些迷彩布在1980年代和1990年代的印度常用来覆盖行李箱。这件作品是为了回应当时发生在印度火车站的爆炸事件，并警告乘客不要触碰无人看管的行李。
巴尔提·卡尔的工作室，图片由Dolly Devi拍摄
在她创作了绘画、雕塑和装置的长达20年的艺术实践中，通过将取材自与身体和仪式有关的物体重新定位，卡尔一直保持着一种充满探索性的工作方式。
例如，卡尔如今标志性的明点作品（bindi，用朱砂画在印度女性额头的圆点），在概念上意思为以明点作为装饰来代表第三只眼睛；在物理和作品规模层面，大型作品的尺寸是艺术家伸展开后的身体的长度和宽度。这些作品被注入了明点的象征意义，明点来源于梵文中意思为“点”的词语“bindu”，“bindu”也是一切创造的起点和统一的终点。卡尔的作品发展成了一种语言，在这种语言中，华丽的图像贯穿西方和印度的艺术和文化，唤起了与传统，实际上是仪式的正式联系。
曾在英国的Newcastle Polytechnic大学（现改称为Northumbria University）留学，卡尔在初到印度时以创作绘画为主。她第一件明点作品《Spit and Swallow》标志着她从绘画转向雕塑的开端。卡尔早期创作的雕塑之一《Bitch and Butch》，是两个玩味的玻璃纤维狗头。后来艺术家开始了对形式的混合探索，其中一件作品是原尺寸大小的、覆盖了明点的大象雕塑《The Skin Speaks a Language Not Its Own》。
卡尔的近期项目“The Intermediaries”，是一系列由神话人物为原型的泥人雕塑，卡尔把这些泥人打碎、重新组合、并置，混合出超脱世俗的圣物。融合了神话图像和当地文化的意象，卡尔拆解既有物品，从而找到作品的内在可能性，并推动它们成为超越其客体的事物。隐藏的缺陷在一个类似于日本金缮修复的过程浮现，在此过程中，分裂和修复同时发生。卡尔解释道：“我拆解事物来了解它们，通过拆开材料来发现和揭示一些在完整状态下并不明显的东西。”
拥抱错误并将其介入创作，体现了卡尔大胆且凭直觉所进行的实验。2008年在波罗的海当代艺术中心（BALTIC Centre for Contemporary Art）的个展中，装置《The Waq Tree》的前身作品就是很好的证明。这棵四米高、树枝上长满手工制嫩芽的巨型玻璃纤维树，试图被稳定在展览空间却倒塌在地。对于大多数艺术家而言是一场无法解决的灾难，但卡尔却将其视为一个偶然事件，并在作品倒塌的位置修复雕塑。
如今，卡尔最为人熟知的或许是她的创新装置作品，它们遍布并分割开放的空间，似乎不受地心引力的影响，例如高耸的特定场域雕塑《The Intermediary Family》，多年来在不同的地方呈现。
在孟买，由艺术家Sharmila Samant和Tushar Joag发起的Open Circle项目，创造性地融合了理论和实践以探讨当代政治议题。作为Open Circle项目的一部分，卡尔创作了她首件场域特定作品《Bloodline》。艺术家从建筑的地面起向天花板堆叠手镯，《Bloodline》贯穿了所有楼层，看起来就像一个鲜红色的大动脉。这件作品后来于2006年艺术家在伦敦弗洛伊德博物馆（Freud Museum）的个展“This Breathing House”中展出。这件中空的装置中心装满了LED灯，当自然光逐渐减弱时，灯光从由上至下柔和地照亮了建筑，仿佛它就是一个活生生的躯体。
巴尔提·卡尔的展览“This Breathing House”现场，伦敦弗洛伊德博物馆，2019，图片由Alex
卡尔的很多作品都源于对身体的探索，即把身体作为一种工具，去实现比身体各部分之和更大的东西、身体和精神之间的平衡，及我们不仅作为个体，而且作为更大的集体所占据的空间。
卡尔作品中出现的第一个人体模型《Arione’s Sister》要追溯到2006年。基于希腊神话中大力神的战马阿里翁（Arion），作品描绘了一个科幻小说式的女性形象，她有着长长的前额和绿色的皮肤，被一圈购物袋环绕着。“大家都认为这个人物角色带上那么多袋子去购物，但其实我希望通过她背着的这些行李让她看起来像一个天使。”卡尔指出，物体和形态的含义会根据不同的观者和联想发生变化。
这些含义千变万化的可能性回归到身体的形式，在卡尔的许多展览中都是常见的，无论这些身体的呈现方式是由现成材料合成的混合体，还是铸造的材料本身就是整件作品。卡尔承认在她创作的时候总是在问一些关于身体的问题。曾在2016年第二十届悉尼双年展中展出的《Six Women》，是艺术家花钱雇佣了六位来自印度加尔各答的性工作者作为模特，而创作出的身体模型组合。卡尔想知道，在一群不同的人身上，真相为何。“从铸型到作品，什么信息被传递？在伦理、哲学和感情宣泄上，我和这些女性有什么交流？”
也许答案可以在作品《The Deaf Room》中找到。这是一个由融化的手镯为原料制成的玻璃砖块临时装置，其中手镯是印度传统女性服装的标志性元素。艺术家使用砖块和黏土搭建了一个空间，而这些砖块每次在展出时都会被拆卸和组装。卡尔将《The Deaf Room》的材料形式形容为一种通过解构和改造使手镯安静的姿态。“你现在什么也听不见了，它就像一座坟墓。”在创作这件作品时，卡尔受当时印度的政治动荡，及她所观察到的缺乏女性声音的社会现象所启发，她通过这件作品，描述了女性付出的代价及她们观点的缺失。
创新且大胆，卡尔用一种视觉语言，在人类状况的比喻和暗示之间编织了一系列关于身体的物理、社会和政治存在的探索。艺术家打破二分法的过程产生了一种女性赋权的美学，挑战了社会文化规范，展现了贯穿她生活和工作、且不断进化的混合特性。