如何更加高效系统化的自学摄影
讨论这个问题之前，需要你我达成共识的一点是，摄影是一门技术，也是一门艺术。
数码时代，人人都是摄影师，但不是人人都是艺术家。摄影的艺术性今天我们暂且不论，先从技术层面谈起。
我将从一张照片的拍摄前、拍摄中、拍摄后这三个层面来跟大家深入探讨一下。
拍摄前
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首先来说拍摄前，就我个人来说，拍照纯粹是一种兴趣，是一种对于未知世界的探索，一种保存对这个世界新鲜感的一种手段。
按下快门之前，先是眼睛看到让我觉得有趣的景象，然后大脑开始肾上腺素，整个人的身体逐渐从放松到绷紧，最后全身力气都释放在右手的食指之上，按下快门。
这个过程就像弓箭手射箭，看到目标，拉弓，瞄准，射击，一气呵成。
下面这张照片是我2015年在去苏梅岛自拍婚纱照的时候，在酒店泳池看到的一个画面。
这个小朋友反复的跳水，乐此不疲，当我看到这个画面的时候，整个人都被吸引住，内心澎湃，但表面上佯装很镇定的在边上溜达，等到她再次起跳的瞬间，我用佳能6D（对焦不太利索的相机）拍下这张让我反复心动的瞬间。
再来看看这张
当我第一天来到佛罗伦萨的时候，我就已经从众多在佛罗伦萨的人群中找到了最感兴趣的一个主题——情侣。
他们的爱情信号如此抢眼，所以我的相机时刻准备着，预判着他们的下一个动作。
上面这张图，便是我“盯梢”了几分钟，拍下的瞬间。
有人说，特别喜欢我拍的柠檬（我2岁半的女儿），说实话，孩子的世界真的远比大人世界要丰富的多，而我要做的就是保持着对于她的好奇心的那份好奇，跟她相处，故而很容易的发现一些很动人的瞬间。
所以，想要提高你的摄影技术，首先要从根源上着手，找到自己的兴趣所在，从生活中发现让你心动的瞬间，只有兴趣才能让你保持拍摄的激情。
这种积极的情绪很重要，如果没有它，摄影便会沦为呆板的体力活，每次快门都成了一种负担，摄影也便失去了乐趣。
拍摄中
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其次，说说拍摄中。摄影是一种非语汇的表达方式，我们都希望别人对我们拍照的照片产生反馈，就像说话，每个人都需要给予回应的听众。
在拍摄时，我们要学会找到自己照片的“趣味中心”。光线、色彩、构图有很深的原理需要去学习，但是要记住一点，不论你运用什么样的技巧，都是服务于你即将拍摄的“趣味中心”。这有点像写文章，你总是要给文章找到一个主题，围绕主题去有层次的展开论述，拍照亦是如此。
三分构图法是大家熟知的构图原则，但我们拍摄的时候一定要严格遵守这个法则吗？当然不是，一切的规则都是用来被打破的。
举个例子，下面这张照片的“趣味中心”是土豆的肢体、情绪状态（模特），如果按照三分法的原则，这张当然是最好的。
但是，即使我人为裁图，不论将她放在画面中间或者边角，你的视线永远是第一时间被她吸引。
当我们的“趣味中心”足够明确的时候，一些循规蹈矩的技巧便没有那么的重要了。反之，如果你始终在内心给自己框定了某个原则，很可能便会错过很多精彩的瞬间，其实有的时候，拍到比拍好更重要！
摄影是一门空间静态艺术，习惯用静止表现运动，用瞬间凝固永恒，用个性反映共性。很多人经常问我，拍摄人像写真过程中，如何引导模特，如何拍到自然的瞬间。诸如此类的问题，我都无法回答。因为“自然的瞬间”是主观的的，举个简单的例子。下面这两张是我与好友@原方摄影工作室共同完成的一场拍摄，空间上同样一个动作区间，但我们抓取的瞬间以及后期思路都有极大的差异化。
原方更习惯用横构图的方式交代场景，我则是用竖构图让画面元素更紧凑一些。他的后期偏绿，我的则偏洋红，但都能表现出阴雨天的潮湿感。
他选择了女生看向镜头，用暖色调表达更加洋溢的情感，而我则是用冷色调表达一种安静的状态，这其实就是不同人对于同一件事物的两种看法。
想要在人像摄影拍到“自然的瞬间”，第一个前提就是让模特在空间上处于某种“动态”，可以在动作进行的过程中拍摄。
也可以在动作收尾的瞬间拍摄。
一些所谓“自然的瞬间”都是源自于你内心对于拍摄现场，一切动态事物变化的瞬间的察觉，这个需要一定的天赋，更需要日常生活的观察和积累。我的一个摄影师好朋友，长年浏览国外的摄影时尚杂志，于是导致了她拍出来的照片，都非常精致，极具时尚气息和高级感。
你经历了什么，感受到了什么，将决定了你能拍出什么。
摄影师与普通人不同的一点，便是摄影师是以独特的视角在观察这个世界。布列松的“决定性瞬间”为什么伟大，是因为他将我们日常生活中曾经被我们“忽视”的瞬间给放在了照片当中，这样的瞬间只有他一个人可以察见。
他的生命经验和认知边界超过了一般人，故而能欣赏的世界也比一般人来的丰富多彩。
拍摄后
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最后，来说说拍摄后。摄影后期是让很多人又爱又恨的东西，我曾着迷于一张照片的某一种颜色，曾经因为喜欢胶片色就去购买了很多胶片相机、胶卷。但过分关注后期这件事，并没有让我的“摄影技术”有明显的提高，反而有的时候沦为了追求“表面效果”的奴隶。
网上有很多教程是关于“如何拯救一张废片”，这个主题本身就是忽视摄影前期，只关注后期，他们的主张便是前期你随便按快门，不管你拍成什么样，后期都可以挽救。我在拍摄客片期间，最害怕听到客人说的一句话“没事，反之可以P”。
我们可以将摄影后期比做做饭的过程,拍摄前期就是获取食材，恰当的光线、精妙的构图、明确的“趣味中心”可以为我们提供很好的食材，那么后期只需要稍加处理即可。但如果寄希望于后期，那么就意味着你需要给前期的食材加入很多调味料，去遮盖前期的缺陷，造成本末倒置。
摄影后期又称数码暗房，我们不需要再像传统暗房那样需要学习自行调配药水，控制水温，冲印放大。但有以下几个数码后期永远绕不开的关键因素，你必须掌握。
一、直方图
摄影的后期是“不要你觉得，要我觉得”的过程，在这个过程当中唯一的“客观标准”便是直方图，我们可以将照片的影调笼统的分为高调、中调、低调三种风格。
（高调）
（中调）
（低调）
照片调整的第一步便是依据原图的实际情况，确定照片的影调（高中低），要完成这一点，对于有经验的摄影师来说，用肉眼基本可以实现“舒服”的视觉效果。但对于新手或者初学者来说，则需要借助直方图来确定影调。长此以往的借助直方图和对比实际图片视觉效果，便能很容易的锻炼自己的“观察之眼”。
先确定影调之所以很重要，是因为跟颜色部分也息息相关，这里要引入个简单的颜色原理。
二、影调与颜色的关系
先来看两张不同天气情况下，相同场景的照片。
两个相同场景的照片，但绿色的却完全不同。上图（晴天）时，树叶的绿色显的轻盈、生机盎然。下图（阴天）中的绿色稍显厚重，饱和度稍高。
造成这个区别的原因则是因为光源的亮度（可以简单粗暴理解为影调），亮度越高，色彩纯度（饱和度）越低，明度越高；
故而，当我们调整一张照片的影调时，画面中的颜色纯度和明度都在会受到影响，所以“先定调，后调色”便是摄影后期唯一一个要严格遵循的原则。
鉴于篇幅不宜过长，这里不对后期部分进行深入的研究，有兴趣的同学可以了解一下我之前分享过的后期教程。
结语
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随着摄影技术的不断发展，我们能更加高效的完成一次拍摄，但可以“速拍”并不意味着“速成”，我们应当放慢摄影学习的脚步，多些感受、多些耐心，才能拍出让更多人心动的画面。