舞蹈、戏剧、电影(下)

斯坦尼斯拉夫斯基戏剧表演体系熟悉戏剧表演艺术的人，大概没有不知道斯坦尼斯拉夫斯基的。因为他不仅是才华横溢的演员兼导演，而且还是戏剧舞台上出类拔萃的理论家和改革家。本世纪以来，他的表演体系一直被作为规范的程式写进教科书中，并在世界各地广为流传。许多著名演员就是因为学习和掌握了斯坦尼斯拉夫斯基的表演体系，才在戏剧舞台上、电影银幕上、电视屏幕上塑造出众多栩栩如生的人物形象，从而大放异彩、声名远扬的。1863年1月18日，斯坦尼斯拉夫斯基出生在莫斯科。他原名康士坦丁·阿列克塞耶夫，斯坦尼斯拉夫斯基是他的艺名。他父亲是一个富商，但全家人热衷的却是戏剧艺术。在业余演剧盛行的时代，他们全家也组成了一个家庭业余剧团，经常在各地巡回演出。小小年纪的斯坦尼斯拉夫斯基常常被分派扮演各种各样的角色。长大成人后的斯坦尼斯拉失斯基外貌英俊，体形匀称，具备了一个好演员必需的所有先天素质。唯一美中不足的是他的个子太高了。过于高大的身材使他在小小的舞台上显得碍手碍脚、十分笨拙。因此当他对别人说想要当一名演员时，几乎引起了所有人的嘲笑。但是他并未把这些困难放在心上，下决心要克服生理上的缺点。他认为只要在声音、语调和姿势等方面功夫到家，就完全可以成为一个优秀的演员。从此以后，斯坦尼斯拉夫斯基便狂热地以自我强制的舞台训练方法来训练自己，开始了他那伟大的艺术探索实践。有两次演出对斯坦尼斯拉夫斯基来说感触特别深刻。一次是在模仿当时专演傻瓜蛋的著名喜剧演员尼古拉主演过的戏剧《一杯茶》时，由于他平时非常欣赏、喜欢尼古拉，因此他熟悉尼古拉的每一个动作、每一句台词甚至每一个眼神。所以在舞台上，他表演得十分自如、出色，自我感觉也非常良好。这次演出相当成功，受到人们的热烈欢迎。他为此高兴地对朋友说：“艺术和创作是件多么令人愉快的事情呀!”然而在第二次《老数学家》的演出时，情况就完全不同了。他一点儿也不熟悉这个角色，因此真的演起来，就只好东拼西凑。一会儿模仿模仿这个演员，一会儿又模仿模仿那个演员。整个角色像是变成了一条用碎布缝成的被子。他在舞台上出尽了洋相，也饱尝了观众的哄笑和挖苦。他为此感到很不自在，暗自叹息道：“当演员简直是活受罪!”这次失败的教训使他深刻地认识到，模仿著名演员的表演是舞台上的重大罪恶之一。斯坦尼斯拉夫斯基就是在长期的演出实践中，不断地探索，不断地进取，最后终于形成举世闻名的斯坦尼斯拉夫斯基表演体系的。1909年，斯坦尼斯拉夫斯基创作了《我的“体系”》一文，这是他第一次把自己的戏剧演出理论明确为一种体系。斯氏体系最基本最核心的范畴是“体验”。所谓“体验”就是为了体现舞台的真实，去寻求能够建立演员创作的自我感觉和有助于演员有机地在舞台上真实表现人物思想感情的方法。斯坦尼斯拉夫斯基曾说：“我毕生探求的结果，就是我的所谓'体系’，即我所探索到的演员的工作方法。这种方法使演员能够创造角色的形象，能够在角色中揭示人的精神生活，并以……艺术形式把它自然地体现在舞台上。”斯坦尼斯拉夫斯基以其独特的演出创作方法，成为西方戏剧中现实主义体验派最杰出的代表。斯氏表演体系虽然十分庞大，但却是迄今为止世界范围内最具有系统性和科学性的。斯坦尼斯拉夫斯基体系与代表西方戏剧中现实主义表现派的布莱希特体系及其代表东方戏剧的梅兰芳体系，共同构筑了东西方剧坛产生巨大的超越国界影响的三大戏剧表演体系。1938年8月7日，在戏剧舞台上驰骋了一生的斯坦尼斯拉夫斯基病逝了。成千上万的人参加了他的葬礼。整个莫斯科都沉浸在悼念这位伟大人物的悲痛之中。易卜生与妇女解放运动在19世纪，北欧挪威寒冷的大地上，崛起了一位驰名世界的大戏剧家。他一生中共创作了25部剧本，有诗剧，也有话剧；有悲剧，也有喜剧；有历史剧，也有现代剧；有讽刺剧，也有社会问题剧，为他自己、同时也为他的祖国的民族戏剧事业赢得了巨大的声誉。他也由此而被人们尊奉为“现代戏剧之父”。他，就是杰出的戏剧大师易卜生。

易卜生肖像易卜生的生活道路极不平坦。1828年3月20日，他出生于挪威一个富有的木材商家中，后来家道衰落，生活也由此而一落千丈。16岁时，为了减轻家庭负担，早熟的易卜生不得不顶着别人的讽刺和白眼去一家药店当了学徒。这期间，繁重的劳动和沉重的精神压迫经常使易卜生感到万分苦恼。为了寻求精神寄托，易卜生把全部闲暇时间都放在了阅读文学作品和从事文学创作方面。很快，他的戏剧创作天赋就引起世人的瞩目，他也品尝到了初获成功时的喜悦。然而，真正令他跃上戏剧创作巅峰并奠定他在世界戏剧史上不朽地位的是他的几部社会问题剧：《社会支柱》、《玩偶之家》、《群鬼》和《人民公敌》。《社会支柱》创作于1877年，它描写了一个表面上道貌岸然的船厂厂主、社会上的模范公民、家庭中的理想丈夫，实际上却是一个卑鄙无耻、不择手段投机钻营的家伙。他好话说尽、坏事做绝，为了掩人耳目，保全自己，竟丧尽天良地打算让整条轮船在航行途中沉没，使全船生灵都葬身海底。最后他终于良心发现，在道德上进行了自我完善，成为真正的社会支柱。小说深刻地探讨了社会道德问题和现代社会的经济制度在道德上的价值问题。发表于1879年的《玩偶之家》是易卜生最重要的作品。它通过律师海尔茂一家舒适、体面、幸福、欢乐的生活的描写，一步步地揭露出笼罩在这个家庭精神上的粗暴、自私和压迫，表现了海尔茂太太娜拉的心灵痛苦和最终觉醒。本来，这是一个令许多人都感到羡慕的家庭：丈夫前程似锦，妻子温柔美貌，孩子伶俐可爱，他们过着典型资产者的富有生活。不料，一件意外的事情却打破了这个家庭的平静——海尔茂因为劳累过度而生病住院。为了救他，娜拉不得已便背着丈夫伪造父亲的笔迹签字向别人借债；而这却触犯了当时的法律条文。海尔茂知道后，十分恼火，认为这事会影响自己的名誉和前途，于是一改往日的亲昵与和善，大骂妻子下贱无耻。后来，债主在娜拉女友的感化下主动退回了借据。海尔茂一见事态平息了，马上又恢复了对娜拉的温存甜蜜，“小鸟儿”、“宝贝儿”地叫个不停。在残酷的事实面前，娜拉终于看清了丈夫的卑鄙自私和自己被当做玩偶的屈辱处境。她觉得眼前的海尔茂是那样的陌生和虚伪，自己无论如何也不能再与他生活在一起了。于是，娜拉毅然决定离开这个“玩偶之家”。《玩偶之家》演出后，立刻在全社会引起极大的反响，成为人们的焦点话题，因为这个剧本提出了资本主义社会的法律道德和妇女地位等社会问题。娜拉的出走，实际上是一个要求与男子平等的女子向整个社会所发出的公开挑战。当时，人们对这个问题的争论十分激烈，趋于白热化的境地。拥护者对于娜拉的果敢行为大加赞赏和支持，称她为无愧于时代的杰出女性；反对者则责难娜拉抛弃丈夫和孩子的行为是不道德的、伤风败俗的，必将导致家庭的解体和社会的崩溃。有趣的是，据说当时很多人在请客吃饭时，为了避免争论而引起大家不愉快，都要在餐桌上摆着一个写有“莫谈娜拉”的纸条。一些别有用心的反动文人更是千方百计地对原作加以篡改和歪曲，说什么娜拉出走以后到处碰壁、生活无着，最后不得不回到海尔茂家承认错误，以此来诋毁原剧本，企图削弱其巨大而积极的影响。然而，《玩偶之家》的轰动效应实在太大了。它的影响遍及世界的各个地区，任何诋毁与谩骂都丝毫无损于它的光辉。它启蒙和教育了整整一代的青年人特别是广大青年妇女，成为一部名副其实的妇女解放运动宣言书。作为最早翻译介绍到中国的西方戏剧之一，这部作品也同样唤醒过无数的中国青年。像鲁迅小说《伤逝》中子君那样的新型青年女性就是在娜拉的影响下，挣脱掉封建思想的枷锁，步出旧式家庭投身社会，走上一条自强自立的道路的。《群鬼》是《玩偶之家》的姐妹篇，它是易卜生为了回答和反击上流社会的责难和谩骂于1881年创作的。剧中欧文太太的家庭生活十分不称心，丈夫终日迷恋于花街柳巷，儿子染有梅毒病。欧文太太虽然也想过离家出走，挣脱掉这恼人的婚姻锁链，但她毕竟缺乏娜拉的觉悟和勇气，更害怕社会舆论的谴责，最后只得忍气吞声地继续同行为荒唐的丈夫生活在一起，全力去维护丈夫的名声和体面。她认为，为了儿子的幸福，这样做是必要的。她还把儿子从小就送到国外，以免他也沾上父亲的恶习。可是丈夫死后，儿子从法国归来时，欧文太太却痛苦地发现，儿子早已和他父亲的当年没什么两样了。她长期为丈夫和儿子所作的牺牲到头来全成了徒劳。在绝望之中，她痛苦地呼喊道：“给我阳光!”《群鬼》表明，上流社会体面繁荣的生活背后隐藏着诸多的污秽和丑恶，其虚伪早已深入到了骨髓。创作于1882年的《人民公敌》描写了一个正直的医生斯多克芒。他为了城市居民和疗养者不受疗养区污水的毒害，提出改造浴场的建议。然而这不仅需要地方当局的一大笔投资，而且还将影响浴场的收入。因此，市政当局和许多中小资产者都一致反对他，还宣布他为人民公敌。但斯多克芒誓不低头，勇敢地同这帮官僚市侩斗争到底。剧本无情地撕下了资产阶级自由民主派造福社会、造福民众的伪装。易卜生后半生的大半时间是在国外度过的。1891年，已经63岁高龄的戏剧大师满载着享誉世界的荣光回到已经阔别了26年的祖国，受到挪威人民的热烈欢迎。在他70岁寿辰之际，挪威文化界还专门举行盛大集会向他庆贺，挪威国家剧院特地为他塑造了一尊铜像，以表达对他的敬仰之情。1906年5月23日，把整个身心都奉献给了振兴祖国民族戏剧事业的一代戏剧宗师终因久治不愈的心脏病发作，在首都奥斯陆安详地闭上了双眼。挪威人民举国悲痛，挪威政府为他举行了隆重的国葬。从大制片人到小商贩电影技术发展到今天，已开始跃入到电脑时代。无所不能的电脑技术带给观众全新的视觉享受：小到可以带你去人体内旅行；大到山崩、地裂、火灾、爆炸、洪水……当这一切被人们司空见惯之后，谁又会“忆苦思甜”地想起当初电影的机械原始与粗糙不堪呢?因此，我们应当万分感谢被称为“电影魔幻大师”的法国人乔治·梅里爱，是他使电影走上技术主义道路，开辟了电影的全新时代。自从1895年法国卢米埃尔兄弟发明了电影以后，随之兴起的影片，连同卢米埃尔兄弟拍摄的作品在内，一律都是简单地机械照搬，把生活中的实物，丝毫不加改变地投射到影布上。这种状况，直到梅里爱时代才有了彻底的改变。电影出现以后，魔术师出身的梅里爱也赶时髦购置了一台放映机放在家里摆弄，拍摄一些实物小景。1896年的一天，梅里爱正在洋洋自得地欣赏着一部刚拍成的新影片。突然，他像针扎了屁股似的猛然从座位上蹦了起来，望着画面惊呆了。原来画面上出现了一辆运灵柩的马车。“啊，上帝!这到底是怎么回事?我根本没拍这个画面，我拍的是一辆行驶的马车，怎么变成了运灵柩的马车呢?难道是闹鬼了吗?”梅里爱手拍着脑门，百思不得其解，嘴里还在不住地嘟囔着：“我没拍!真的没拍!”忽然，他猛地想起那天拍电影时，放映机有一阵子卡壳不转了。当机器修好后重新转动时，恰好有一辆运灵柩的马车从面前经过，难道是这样弄成的吗?在好奇心的驱使下，梅里爱马上摆好机器试验起来。开机一会儿，又停机一会儿，再开机一会儿，结果拍出来的东西令他大吃一惊——那是一组随心所欲、任意选取的镜头。后来人们便把梅里爱偶然间的这一发明称作“停机再拍”。这一发现使梅里爱欣喜若狂，兴奋异常。他不停地搓手慨叹道：“这下我的电影好看了，一定会胜过所有的人。人们一定会争先恐后地来观看，我要发大财了!哈哈……”“心有灵犀一点通”。聪明的梅里爱随后又一鼓作气地发明了慢动作、快动作、倒拍、多次曝光、叠化等一系列特技手法。这些技术手段使他的影片既有仙境般的镜头，又有令人恐怖的场面，一改了当时影片平淡无奇的局面。从此，梅里爱的放映厅便常常观众爆满，而其他影厅却冷冷清清。梅里爱果真一夜成名，一夜暴富了。成功后的梅里爱又投入大量的精力和财富来发展电影事业。1897年，梅里爱在蒙特利尔建立了第一个初具规模的制片厂，由罗培·乌坦剧院、蒙特路伊制片厂、洗印厂和售片所组成一条龙的“明星电影公司”，开创了电影工业化道路。明星公司所在地歌剧院街被时人称为“世界电影中心”。同时，明星公司的业务在美国也获得很大发展，使电影艺术飞到了世界各地。梅里爱一生共摄制了400多部影片。他拍摄的题材广泛多样，如用特技拍出的各种魔术片、反映现实的新闻片、神话故事片和科幻探险片。其中在1899年拍摄的新闻片《德莱孚斯事件》，是根据当时轰动法国的真实事件运用现实主义手法拍摄而成的。由于影片再现了事件的真实性，其中有演员的大特写和中景镜头，有人群四散奔逃的场面，因此可以说梅里爱又开创了电影“再现历史”的先河。命运有时真会开玩笑。当梅里爱的制片活动轰轰烈烈热闹了15年后，他的明星公司由于经营不力已开始走了下坡路。他所拍摄的影片，也由于受戏剧美学的束缚太深，总是从一个视角拍摄，就像观众坐在固定的座位上目不转睛地看着舞台一样，太戏剧程序化了。另外，梅里爱又总是喜欢呆在摄影棚里沉思幻想，同现实缺乏联系，从1900年起直到1912年结束拍片生涯为止，他再也没有离开过摄影棚一步。严重地脱离生活，使他的影片失去了广大观众。明星公司终于被法国新崛起的百代公司挤垮并兼并。失意的梅里爱一落千丈，由昔日辉煌的大制片人沦落为街头的小商贩，以经营玩具为生。年迈体衰后，他住进巴黎郊区的一座养老院度过了余生。1938年，乔治·梅里爱在巴黎的一座医院里孤独地死去了。梦幻工厂如果把电影比作“梦幻中的乐园”的话，那么，作为国际电影中心的好莱坞就是制造这种梦幻的工厂。1908年，在美国加利福尼亚州洛杉矶市西北郊的一个偏僻村庄附近，四处寻找外景地的《基督山伯爵》摄制组被那里迷人的自然景色深深地吸引住了，当即决定就将外景地选在那里。他们很快就建起一间小小的摄影棚，并取名为“Hollywood（好莱坞）”，即“长青橡树林”的意思。当时谁也不曾料到，这随意而搭的小小摄影棚日后竟会发展成为举世瞩目的国际电影中心。“好莱坞”变成了“美国电影业”的同义语。第一次世界大战结束后，作为世界电影摇篮的法国电影业一度衰落下去，好莱坞趁势取而代之，扶摇直上，渐渐成为国际电影中心。好莱坞就像是一块巨大的磁石，把世界各国最优秀的导演和演员都吸引到那里去一展才华；那些无名的电影人更是对它魂牵梦萦，希望在那里交上好运，一炮打响。神秘的影城好莱坞创造了无数个一夜成名的神话，像嘉宝、褒曼、费雯丽、奥立佛等一批享誉全球的世界级大影星都是从那里走向成功的。

好莱坞外景照片随着好莱坞名望的日趋盛大，各大电影公司也纷纷在那里成立。区区弹丸之地，竟会云集米高梅、环球、派拉蒙、20世纪福克斯、华纳、雷电华、联美和哥伦比亚等8家世界上最著名的电影公司，这不能不说是电影史上的一个奇迹!这8家公司各自都拥有十分强大的演职员队伍，它们每年都向世界各地行销大量优秀的新影片。这些影片以其数量大、质量高和利润丰厚的优势而称霸全球。在问世后的数十年间，“梦幻工厂”生产出一批又一批各种题材类型的故事片及广告片、纪录片、科教片。其中，仅有声片就达六七千部。好莱坞产生过众多的大明星、大导演以及形形色色的各种大片、巨片，也形成过许多充满强烈竞争色彩和商业气息的电影体制，如制片人制、演员明星制等等。这些体制对它的盛极一时曾起过积极而巨大的促进作用。对此，世界上许多国家的电影人都艳羡不已，他们纷纷加以仿效，不断地向它学习和看齐。正如一切事物在达到顶峰之后就不可避免地要走下坡路一样，辉煌至极的好莱坞在20世纪60年代到70年代间也日趋衰败了。为了重新振兴美国电影，保持好莱坞国际电影中心的地位，从70年代至90年代，美国新一代电影艺术家相继拍出了《星球大战》、《侏罗纪公园》、《辛德勒名单》等一批巨制大片。他们利用现代科学技术，制造出无与伦比气势恢弘的电影画面，重现了美国电影的雄风。在好莱坞，有两处特别引人注目的地方：一处是影城中宽阔的好莱坞大道。大道两旁是用红色水磨石铺设成的人行便道。便道上镶嵌着2500颗金星。这些金星中已有1800多颗被刻上了历届荣获奥斯卡金像奖人员的姓名。在那里，游人们可以找到自己喜爱的影星和其他电影名人的名字并且拍照留念，共同回忆许多令人难以忘怀的美好岁月。还有一处是好莱坞那巨大的标志“Hollywood”。它高高地屹立在山顶之上，不动声色地俯瞰着光怪陆离的好莱坞。同时又以它那特有的风情招呼着来自世界各地的观光者。不过，它也曾招惹过是非。据说在1932年，就有一位对生活彻底绝望的女演员从“Hollywood”标志的“H”字母上纵身跳下，自杀身亡。这件事令好莱坞一度声名狼藉。随着岁月的流逝，“Hollywood”几个巨型大字由于年久失修也变得支离破碎了。1978年，美国政府专门拨款9000万美元重建好莱坞城，仅修建巨大标志一项就花费了25万美元。在竣工晚会上，歌唱家安迪·威廉斯、《花花公子》杂志的出版人休·赫夫纳、摇滚乐歌唱家艾丽斯·库珀等每人掏出27777美元来分别购买这9个字母中的一个。这使得这一巨大标志更显得价格不菲了。风风雨雨几十年，好莱坞走过了一个漫长而又坎坷的发展历程。我们真心地希望它能够继续为世人奉献出更多更好的新片。愿这片“长青橡树林”永葆兴旺，长盛不衰!喜剧大师卓别林一提起美国电影喜剧大师卓别林，人们的眼前便会马上浮现出一个善良、调皮、可爱而又可笑的流浪汉形象：他矮矮的个子，却穿着彪形大汉的肥大裤子，一撮仁丹胡须微微上翘，头戴一顶高高的礼帽，手拄着一根黑色手杖，拖着一双硕大鞋子撇腿走路。这个流浪汉形象一问世便受到了人们的热烈欢迎。它使卓别林一夜成名，一举跻身到美国好莱坞的一流喜剧大师行列。

好莱坞外景照片喜剧大师卓别林蜡像说起来，这个流浪汉形象的塑造纯属偶然。那还是1914年的一天，初来好莱坞的卓别林正在为拍摄第二部无声影片做准备。突然，导演走过来要求他去弄一身滑稽逗笑的打扮。时间仓促，情急之下的卓别林顺手抓过化妆室里一位演员的肥大裤子和假发、假须，还拾起别人丢下的一双又大又不合脚的破皮靴套在脚上，手杖、礼帽也都是随手捡来的。从头到脚装扮完毕，他便学起了伦敦街头一个老摊贩撇腿走路的样子，一个可爱而又可笑的流浪汉形象就这样定型了。在卓别林的影片中，以流浪汉为主角的占了相当大的比重。卓别林对这一形象的钟爱或许是缘于他那苦难的童年吧。1889年，查理·卓别林出生于英国伦敦兰倍斯区的一个贫困演员家庭。卓别林的童年没有温饱与欢笑，有的只是贫穷和悲伤。他进过孤儿院，也流浪过。为了谋生，他年仅10岁就参加了一个滑稽剧团四处流浪演出。1912年，剧团来到美国纽约。卓别林时来运转了。他被好莱坞喜剧片的创始人赛纳特一眼看中，随即被邀到好莱坞拍电影。不久，卓别林又以无意中创造出来的流浪汉形象一炮打响，成为好莱坞炙手可热的大明星。卓别林的成功不只在于他塑造了流浪汉的形象，还在于他扮演人物时对人物内心世界深刻的揭示。卓别林并不仅仅让流浪汉一味地踢打胡闹，令人发笑，他还赋予了流浪汉许多感情色彩，使人物具有个性，成为现实生活中无处不在的“小人物”。流浪汉不仅具有正直、善良、热心的一面，同时也具有爱慕虚荣、自欺欺人等作为普通人常常具有的劣根性。卓别林常把流浪汉置于尴尬麻烦之中，让他惹祸上身，然后再把他从痛苦中解救出来，使观众在发笑的故事情节中深深地为他坎坷不幸的命运而难过，达到又喜又悲的艺术效果。在卓别林大红大紫、如日中天的时候，1928年，有声电影正式诞生了。这使无声电影受到了挑战，默片时代宣告结束，所有的电影人也都受到了冲击。一开始许多人都抵制有声电影，卓别林也认为有声电影将不过是昙花一现。但当大师看到有声电影日趋如火如荼时，并没有固执到底。但他又害怕开口讲话会损害流浪汉形象，为此，卓别林冥思苦想了许久，终于找到一个两全其美的办法。在影片《大独裁者》中，他让同一故事里的流浪汉继续缄口不言，而让同样有一撇小胡子的大独裁者希特勒开口说话。这是卓别林的第一部有声电影。当许多默片时代的喜剧大师都被迫销声匿迹时，卓别林又成功地跨越“音障”进入了电影的有声时代。卓别林除了是一位演技超群的演员外，还具有多方面的才能。1919年，他开始投资建立制片厂，成为好莱坞第一个真正独立制片的艺术家，并且开创了电影史上空前的先例，即集制片人、编剧、导演、演员、作曲于一身。卓别林在好莱坞的20年里，拍出了《淘金记》、《城市之光》、《摩登时代》和《大独裁者》等许多脍炙人口的优秀影片，为美国喜剧片做出了卓越的贡献，给好莱坞喜剧片带来了空前的辉煌。卓别林一生中在美国生活时间最长，但他拒绝加入美国国籍。由于他的进步言辞及他所拍影片产生的社会积极影响触怒了美国政府，晚年的卓别林被迫离开美国，过着流亡的生活。1977年12月25日，喜剧大师在瑞士的一座小镇静静地安息了，享年88岁。电影王国里的诺贝尔奖奥斯卡金像奖是当今世界上影响最大、历史最长的电影奖，被公认为电影界的诺贝尔奖。它象征着电影王国中的最高艺术成就和荣誉。1927年5月4日，美国包括制片人、导演和演员在内的36位优秀电影人汇集一处，创立了“美国电影与艺术科学院”。学院为了促进电影艺术水平的不断提高，加强影界与文化、教育、科学技术等方面的经验交流，鼓励、奖赏优秀的从业人员，决定每年年初都对上一年的影片进行评选，并且对获胜者颁发金像奖。金像奖到底要做成什么样子呢?学院几经研究，决定把这项任务交给青年雕塑家乔治·斯坦利。面对这一异常重要而又有意义的任务，年仅24岁的斯坦利兴奋不已，暗暗下决心要把它做到最好。不知历经了多少个夜以继日、呕心沥血的日子，斯坦利终于把他的作品奉献在了人们的面前：这是一尊高34厘米、近4公斤重的金光闪闪的镀金青铜人像。一位体格健壮、勇武过人的男性斗士手握长剑，站在一盘电影胶片之上。这尊塑像一问世便获得了人们的交口称赞，从此它就作为一项电影大奖由学院颁发至今。

奥斯卡小金人像奥斯卡金像奖的全称是“电影艺术与科学院年度奖”，简称“学院奖”。奥斯卡只是一个俗名。说起这个名字的来历，还有一段有趣的小故事。据说在1931年，学院图书馆来了一位名叫玛格丽特·哈里克的管理员。这姑娘一见到这尊金像立刻惊呼道：“这多像我的奥斯卡叔叔呀!”说来也巧，她的叔叔并非一个普通人，而是当时美国著名的戏剧艺术家奥斯卡·沃尔德。于是人们就把金像与奥斯卡联系在一起叫开了。久而久之，金像就被称为奥斯卡金像了。奥斯卡金像雕成以后，学院决定在每年的7月31日颁发金像奖。所设立的奖项有最佳影片奖，最佳男女主角、配角奖，最佳导演奖等共计28项。首届奥斯卡金像奖于1929年5月16日在好莱坞的罗斯福饭店颁发。由于当时该奖还没有什么知名度，因此颁奖大会的会场十分狭小，参加大会的人数也不多，只有250余人。随着金像奖的日趋声誉显赫，颁奖仪式也开始变得越来越隆重了。颁奖地点被迁至洛杉矶音乐中心庞大的桃乐丝陈德勒大厅。从1952年开始，电视台也对颁奖仪式进行现场转播。随着科学技术的飞速进步，奥斯卡颁奖仪式又有了卫星实况转播。如今，全世界各地的人们都可以坐在家里看到这一盛况了。奥斯卡奖已经无人不知，无人不晓了。获得奥斯卡奖，甚至仅仅是获得提名的影片和电影人都会身价百倍，名利双收。因此奥斯卡奖的竞争从来都十分激烈。奥斯卡奖的评选方法，在经过不断地改进和完善之后，还是比较客观公正的。评奖的第一阶段是无记名提名；第二阶段是投票表决。但即使这样，也有让人遗憾惋惜的事情发生。如1965年，《日瓦戈医生》与《真善美》争强，当时一度被各界看好的《日瓦戈医生》意外落第。还有希区柯克，这位一生拍摄了许多优秀影片的著名导演从未获得过奥斯卡最佳导演奖，而他所导演的尽人皆知的影片《蝴蝶梦》却荣获该奖1940年的最佳影片奖。为了弥补这些缺憾与无奈，奥斯卡奖又增设了“特别荣誉奖”、“终生成就奖”和“最佳外语片奖”等奖项，使全世界的优秀影片都有机会参与。中国导演张艺谋导演的《菊豆》、陈凯歌导演的《霸王别姬》都曾被提过名。第一部获得奥斯卡最佳影片奖的是派拉蒙公司拍摄的《铁翼雄风》，最佳男女主角的得主是艾默·詹宁士和珍妮·盖诺。以后，电影的历史长河里又相继闪过《乱世佳人》、《走出非洲》、《战地钟声》等优秀影片和葛丽泰·嘉宝、伊丽莎白·泰勒、费雯丽、克拉克、盖博等优秀艺术家。这些优秀影片早已成为经典之作，这些优秀艺术家也早已家喻户晓。而这一切成就的取得，又都是奥斯卡金像奖的巨大功劳。