高清详解「英国国家美术馆」30幅必看名画（下） / 开普饭

以下图片版权归英国国家美术馆官方所有

在上一期的文章中，为大家详细解读了英国国家美术馆「30幅必看名画」的前15幅，包括文艺复兴时期的巨匠达芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗、波提切利、提香等大师的名作。
上一期的名画，多以圣经故事、古希腊和古罗马传说为题材。然而随着王权、神权逐渐被削弱，艺术家越来越注重世俗生活的情趣，以及人与自然的关系。

下面，我们将继续为大家详细解读后 15幅名画，并为每幅画配了一首古典音乐。

16三十四岁时的自画像
Self-portrait at the age of 34
伦勃朗Rembrandt| 1640 |

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萨蒂「直视与斜视」

33岁那年，伦勃朗在阿姆斯特丹看到了提香的《穿蓝袖子的男人》和拉斐尔的《巴尔达萨雷伯爵像》，于是他决定，要在这幅34岁自画像中摆出相似的造型。
伦勃朗从青年时代直至临终，用八十余幅自画像，生动记录了自己跌宕起伏的生命中，各个阶段的面貌与心境，从开怀欢笑到愁眉紧锁，再到晚年的沧桑平静，一生的苦辣酸甜，喜怒哀乐了然呈现于自画像中。

这幅34岁自画像是他绘画技艺成熟时期的作品，这段时期伦勃朗虽然也遭遇了一些波折，但总体上是富足幸福的。

▲ 拉斐尔和提香的作品

卡拉瓦乔等意大利艺术家对伦勃朗的影响是显著的，他也追求那种戏剧现场般的、明暗对比强烈的艺术效果，也有着像漆黑舞台上亮起聚光灯办的光线处理。

从侧面照过来的光线，让肖像面部四分之三被照亮，呈现出一种具有对比感和立体感的深邃，这种独特的光线表现技巧如今广泛运用在摄影中，被称作「伦勃朗式用光」。
伦勃朗擅用粘稠易干的胶状调色油，采用他标志性的厚涂法创造出质感强烈的肌理。浓烈与淡雅、阴暗与明朗、硬朗与模糊，苍凉与温暖，透明与覆盖，这些具有对比意味的呈现方式，颇有鲁本斯的风格。

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在英国国家美术馆还藏有伦勃朗的一幅63岁自画像，这张饱经风霜的面孔上，写满了岁月的刻凿与命运的磨炼。

这幅自画像完成于1669年他逝世的前几个月，是他最后一批珍贵的画作之一。

《63岁的自画像》| 1669 |

17圣厄休拉登船远航
Seaport with the Embarkation of Saint Ursula
克洛德·洛兰Claude Lorrain| 1641 |

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布里顿「海边黎明」

克洛德·洛兰的古典主义风景画在法国美术史上地位崇高，他的作品受到法国国王路易十四、西班牙国王腓力四世、教皇乌尔班八世及众多王公贵族青睐。
尽管他没有受过什么文化教育，连自己的名字都签不好，但是他的许多画作都有意无意地涉及与宗教、历史或世俗文学相关的典故，颇有几分怀古咏史的意味。
他的作品端庄典雅，布局井然有序，画中多呈现的晨光熹微或日暮时分的光景，薄雾朦胧。诗意的笔触展现出了古典建筑的恢弘庄严和大自然的壮丽永恒，这种对景物的崇尚，让画中的人物反而成为了诗意壮阔的大背景下的零星点缀。

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这幅《圣厄休拉登船远航》是洛兰早期的代表作之一，所描述的场景取材于欧洲中世纪晚期盛行的圣徒故事典籍《金色传奇》：

不列颠公主厄休拉接受异教徒王子求婚，他们在一万零一名处女陪同下前往罗马朝圣并接受洗礼。归途中朝圣队伍被匈奴围困，厄休拉拒绝了匈奴王示爱而被射杀。

不同于文艺复兴时期以这个故事为题材的大多数画作，洛兰没有描绘厄休拉及随从被匈奴士兵击杀的画面，他展现的是厄休拉登船离开罗马的情景，她的贞洁高贵与神圣的海港景色融为一体。

18镜前的维纳斯
The Rokeby Venus
迭戈·委拉兹开斯Diego Velázquez| 1647-1651 |

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拉赫玛尼诺夫「委婉情思」

17世纪的是西班牙宗教管制严厉，明文禁止创作裸体作品，这幅作品是迭戈·委拉兹开斯唯一的裸体画，创作于他在罗马旅行期间，维纳斯的原型是他当时的一位年轻貌美的情人。

这幅画的灵感很可能源自提香的《照镜子的维纳斯》，鲁本斯也创作有一幅经典的同名画作（委拉兹开斯是在鲁本斯建议下去意大利学习的）。

画中维纳斯侧卧的姿态与乔尔乔内的《睡着的维纳斯》和提香的《乌尔比诺的维纳斯》相似，但巧妙地换了个方向，背部延伸至臀腿的线条显得更具风韵。

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与那些著名的维纳斯画像相比，委拉兹开斯笔下的维纳斯身材窈窕迷人，而不是丰腴壮硕的，她没有佩戴任何珠宝首饰，肌肉紧致，白皙偏冷的肤色被深色床单和红色帘布烘托得格外鲜活。

就像他的名作《宫娥》一样，他在通过一面暧昧的镜子展现出了原本看不到的面孔，并将它置于整个画面的中心。

如果你仔细看这幅画，以及鲁本斯的那幅，可以发现维纳斯并不是通过镜子欣赏自己的美，而是通过镜子观察身后的绘画者。

▲ 提香的《照镜子的维纳斯》

▲ 鲁本斯的《照镜子的维纳斯》

1914年3月10日上午，激进党参议员Mary Richardson出于政治抗议，在进入美术馆后，敲碎了这幅画的保护玻璃，并迅速用刀划开了“维纳斯”的身体。

她表示自己想要通过摧毁这幅「世上最美的女人」，来表达对政府对妇女权益压制的不满。

19站在维金纳琴前的女子
A Young Woman standing at a Virginal
扬·维米尔Jan Vermeer| 1670-1672 |

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贝多芬「致远方的爱人」第一首

在介绍这幅画作之前，先简单普及一下「维金纳琴」这件乐器。这种盛行于文艺复兴晚期和巴洛克早期的键盘乐器，其实是小型的「羽管键琴」，通过琴键来拨奏琴弦发声。

另一种与它外形非常相近的「楔槌键琴」，也被称作「小键琴」，它更接近于现代钢琴的发音原理，通过琴键触动小槌敲击金属琴弦发声。可以对比欣赏一下两件乐器的音色差异。

尼德兰资产阶级革命胜利之后，艺术领域开始了一股新的风潮，创作者不再以为王公贵族画肖像、创作宗教作品为主，而是越来越多地关注到普通市民阶层的喜怒哀乐。
「荷兰小画派」应运而生。扬·维米尔是这个画派的代表人物，他与哈尔斯、伦勃朗，被誉为荷兰黄金时代三大师。他创作了《带珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》等质朴动人的民间女性形象。
维米尔热爱音乐，演奏器乐的少女，是他绘画中经常出现的形象。这幅《站在维金纳琴前的女子》是他的代表作之一。

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画像中的女子神情说不上是喜是悲，她手抚琴键，但心思完全不在演奏上，她望着画面前方那把空荡荡的蓝色椅子若有所思。

那个椅子上本该在却缺席的人是谁呢？墙上举着纸牌的丘比特画像给出了答案。荷兰有句关于忠贞爱情的谚语「只有一张牌，不可能作假」，画中的女孩在奏响琴声时想起了自己的爱人。
据考证，这个丘比特形象源自荷兰绘画大师埃弗丁恩，维米尔在多幅画作中引用了这个形象：《终止奏乐的女子》、《桌上睡着的女子》和在X光扫描下的《窗前读信的女子》。

维金纳琴翻盖上的画与墙上金色框架中的风景画形成呼应，据推测这幅画的原型可能是下面这两幅作品。

Allaert van Everdingen

Cannon Foundry of Julitabroeck, Södermanland

Jan Wynants - Dune landscape

20石匠的院子
The Stonemason's Yard
卡纳莱托Canaletto| 1725 |

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门德尔松「威尼斯船歌」

意大利风景画大师卡纳莱托，用他精妙的绘笔记录了那个时代的威尼斯，站在这些原画面前，你会惊叹这些精准度堪比照相机的细腻笔触，和比照相机更诗意灵动的光影。
事实上，从三十年代起，卡纳莱托的确使用了照相机，像之后的超级写实主义艺术家一样，将影像投射到画布上，在上面将整个画面的细节描绘出来。
他的画作是如此精准，远处房屋上的每一处细微的镂饰、水低隐约可见的藻荇、复杂交叠的船桅.....以至于现当代学者在考据威尼斯当时的气候、水文、风俗、建筑和旅游业时都要参考他的画作。

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这幅《石匠的院子》是他早期的代表作，也是他一生创作中评价最高的一幅，这时他还没有在绘画时运用照相机。画面中的人物都非常忙碌，但整个大环境却是平静无声的。

相比他描绘威尼斯水景的作品，这幅画色调并不是那么明朗鲜艳，大概是骤雨前后或是天蒙蒙亮时的情景。画中的许多建筑如今已经不再是当时的模样了。

光线从左上方投射下来，将钟楼倾斜的塔影安静地投到修道院的屋脊上。每一扇窗门、每一座阳台的影子都细致精确地被呈现。红色的砖墙、临时搭建的木屋、随风轻扬的白窗帘和波光荡漾的河道，展现出这座古老水城人家的世俗生活。

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21安德鲁斯夫妇Mr and Mrs Andrews
托马斯·庚斯博罗Thomas Gainsborough| 1748-1750 |

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德沃夏克「黄昏小路」

庚斯博罗以肖像画闻名于世，但他似乎有着一种魔力，能够让他笔下特征鲜明的人物，与英国郊野的自然风光完美融合，赋予衣着华丽的乡绅贵族们以一种田园诗般的宁静质朴。
事实上，描绘山川草木的风景画才是庚斯博罗的挚爱，由于家族生意破产，他迫于无奈才以肖像画为主业。因为在当时，肖像画的酬劳远比风景画更高，而且更容易出名。
凭借着庚斯博罗对光线、色彩敏锐生动的把握，和优雅动人的笔触，他获得了上流社会的青睐。他的作品如今被视为英国绘画中最具代表性的艺术杰作。

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在这幅作品中，他描绘了一对新婚夫妇在属于自家的领地上郊游、狩猎、休憩的场景，他们穿着非正式的服装。女子的手中有一团卡其色的模糊区域，据说原本打算画上一只被射杀的野鸡。
庚斯博罗在创作这幅绘画时才刚刚二十岁出头，笔触已经非常老练了。他没有刻意追求写实主义的风格，而是以相对奔放、即兴的手法去处理画面。人物置于画面左侧，右边完整地呈现了庄园的自然风光，这种构图在庚斯博罗的作品中是绝无仅有的。
这幅画作既富有轻盈舒缓的诗意，又有着顿挫鲜明的立体感，你几乎可以感受到在这片广袤的乡间土地上的草丛、谷物、枝叶、衣料质地被微风轻拂的舒适感。

22蓬巴杜夫人肖像
Madame de Pompadour at her Tambour Frame
弗朗索瓦·休伯特·德鲁埃François-Hubert Drouais| 1753-1764 |

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柴可夫斯基「洛可可主题变奏」第六变奏

蓬巴杜夫人是法国历史上一位极富传奇性的女人，据说她9岁时家人带她算命，算命师称她未来会俘获国王的心。因此她从小就有个昵称「小王后」。

果然，她日后成为了路易十五的情妇，即使结束情人关系后，她也是国王最信赖的政治伙伴和灵魂伴侣。

她是一位政治界的铁娘子，在当时几乎是充当了首相职责，不仅插手法国当时的所有的内政和外交事务，甚至影响并改变了整个欧洲的政治格局。

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蓬巴杜夫人美貌高贵，不仅在政治和经济领域举足轻重，还有着极高的文化修养和艺术品味。她是伏尔泰、孟德斯鸠、狄德罗等启蒙思想家的庇护者。

她还是音乐、雕塑、建筑、绘画等诸多艺术领域大师的支持者，弗朗索瓦·布歇、让-马克·纳蒂埃、让·安东尼·华托都受其资助，她让精致繁复、轻佻浮华的「洛可可风格」风靡欧洲。

她的发型、服饰、举止，成为了那个时代上流社会女人争相效仿的对象，多才多艺的她甚至自导自演，参与了上百场歌剧、戏剧、芭蕾的演出。

然而，这位旷世美人并没有逃脱红颜薄命的厄运，在饱受病痛折磨后，她于1764年4月15日香消玉殒。

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弗朗索瓦·休伯特·德鲁埃曾师从布歇，他是路易十五时期最重要的宫廷画家之一。1763年4月，他对蓬巴杜夫人肖像做了脸部素描，画作完成时，蓬巴杜夫人已经逝世。

这幅画的细节足足能让人看上几个钟头，蓬巴杜夫人袖子上和裙摆下方复杂华丽的蕾丝，在画家笔下一丝不苟地被呈现。

这幅画作体现了蓬巴杜夫人广泛的兴趣爱好：她博览群书、博闻强识，热爱做刺绣和珠宝等手工艺，她脚下还摆着她的画簿和曼陀铃。

下面补充三幅著名的蓬巴杜夫人肖像，它们分别出自让-马克·纳蒂埃、莫里斯·康坦·德·拉图尔、弗朗索瓦·布歇。

Jean-Marc Nattier 1746

Maurice Quentin de La Tour 1755

François Boucher 1759

23响外套
Whistlejacket
乔治·斯塔布斯George Stubbs| 1762 |

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约瑟夫·施特劳斯「快马加鞭波尔卡」

大家都知道徐悲鸿以画马闻名，在英国也有这么一位“恋马狂”，乔治·斯塔布斯，在欧洲人们称他「画马的达·芬奇」。
达·芬奇为了精确描绘人的骨骼和肌肉，会去盗取尸体来解剖，乔治·斯塔布斯的研究对象则是马的尸体，他曾深入学习过解剖学。
绘画时，他会从皮革厂借一匹死马，吊在家中，一步步剥皮、剔肉、拆骨，仔细研究马的内脏、骨骼、肌肉和毛发，并出版有《马的解剖学》一书。

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这幅《响外套》是他的名作，摆在英国国家美术馆最显眼的位置。马后蹄下的阴影显示，这幅画并不是一幅未完成的作品。

它看上去非常有现代感，因为那个时代的画作通常都会画上背景，而这幅画就像一尊孤立的雕塑，直观呈现在纯色底上。

画中的主角「响外套」是一匹明星级赛马，画面上呈现的骏马身躯是完全按照它的真实尺寸而创作的。它英雄般地扬起前腿，扭过注视着观赏者，似乎具有与人沟通的灵性。

24干草车
The Hay Wain
约翰·康斯太勃尔
John Constable| 1821 |

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李斯特「灰色的云」

约翰·康斯太勃尔是英国19世纪杰出的风景画大师，他的艺术创作对之后的法国巴比松画派和印象派有着深远的影响。
他出生、成长在英国萨福克郡的乡村，一生淡泊名利，钟情于山水田园的美景，满怀真挚虔诚地描绘家乡的河流、田野和作坊。
1824年，他的这幅《干草车》在巴黎展出，引起了轰动。画面描绘的是萨福克郡与埃塞克斯郡之间的分界河「斯陶尔河」，左边旁边的红顶小屋也出现在了康斯太勃尔的另外两幅画作中，如今已成为了一个著名景点。

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这幅画原本的标题是《午时风景》，天空中厚重的云层像是大雨来临前夕，可以看到三匹马拖着干草车吃力地趟过河流，从荡漾的水波和车轮溅起的水花可以感受到车夫吆喝赶马的动态效果，云和树叶的状态能让人感受到风在吹拂。
康斯太勃尔在这幅画中对天空和云层的处理，技艺之精湛令同时代的许多绘画巨匠都钦佩不已，波云诡谲的天空占据了画面的一半，云层的明暗渐变处理得大气恢宏，色调明朗生动，与地面景物形成对比。
云层间露出的那一片蓝天，赋予了整个厚重、丰盈、浓烈的画面一种大口喘息的自由瞬间。这种压抑与释放的对比张力，让人不由得对自然、对宇宙的博大与细腻心怀敬畏。

Willy Lott's Cottage，1820

Willy Lott's Cottage，1832

25被拖去解体的战舰无畏号
The Fighting Temeraire
威廉·透纳
William Turner| 1838 |

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李斯特「大海/叹息」

威廉·透纳喜欢描绘阳光在蒸气、水雾、微雨和海面波纹中晕染开来的那种朦胧摇曳、扑朔迷离的光影效果，色调大胆鲜活，因此许多评论者认为他直接影响到了印象派绘画的诞生。

透纳非常崇拜克洛德·洛兰，他在传记中写道自己第一次看到洛兰的《示巴女王上船》时情不自禁地嚎啕大哭。和洛兰一样，透纳的风景画中，总是会融入对历史跌宕、时代变迁、神话文学等方面的深刻思考。

这幅《被拖去解体的战舰无畏号》是透纳创作的鼎盛时期的作品，在BBC的一次关于艺术民意调查中，它位列“英国人喜爱的绘画”榜首。

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1805年10月21日，英法两国的军队在西班牙爆发了轰动历史的「特拉法尔加海战」，英军的获胜彻底击碎了拿破仑进一步扩张的计划，同时巩固了大英帝国海洋霸主的地位。

画中的那艘浅色的、收起风帆的大船，就是在特拉法尔加海战中立下汗马功劳的无畏号。1838年，这艘老船彻底退役，被拖到海滩解体。第一次工业革命，让英国率先步入了蒸汽时代，许多传统的、过时的事物在时代浪潮的冲刷下被淘汰。

画面中，深色的蒸气船体积比无畏号小几倍，却毫不费力地拉着颓败的无畏号破浪前行。绚丽的晚霞在朦胧的海景中，露出隐约忧郁的夜色，夕阳执拗地照亮了海面和天空，寓意着一个时代的落幕，而画家对那个将要消逝的时代致以无奈作别。

26莫特西埃夫人
Madame Moitessier
安格尔Jean-Auguste-Dominique Ingres| 1844-1856 |

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古诺「珠宝之歌」

安格尔是法国「新古典主义」的代表艺术家。他崇尚拉斐尔的作品，崇尚那种有着古希腊、古罗马审美风格的作品，反对过分抒情的浪漫主义和浮华矫饰的洛可可风格。

他的构图冷静严谨，人物轮廓清晰立体，为了突出肉体的丰盈、曲线的优美、肌肤的丝滑，他会适当牺牲人物的真实感，通过改变科学的人体构造比例，造成一定夸张变形的效果。

他多次前往罗马。研究学习文艺复兴时期的经典作品。他画作中的人物摆出的姿势很多是借鉴了古典作品中的形象，而且喜欢加入一些充满东方异域风情的元素。

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这幅画作中女性，是银行家莫特西埃的夫人。起初，受到委托的安格尔是拒绝画人物肖像的，因为他觉得为别人绘制肖像是比画历史神话题材要低等的。

但安格尔见到莫特西埃夫人时，被她那高贵、富态、华丽的仪容所折服，欣然接受了委约。当时的莫特西埃夫人23岁，画作完成时她已经35岁了。

在安格尔笔下，这位富太太有着古希腊神话中的天后赫拉般的威严神圣，她丰腴肥美，华丽的服饰和昂贵的首饰将她衬托得珠光宝气。

她在镜子中的侧影，有着非常明显的古希腊雕塑的风格，对身后瓷器和蒲扇的细腻描绘则显示出了画家对东方异域风情的喜好。

安格尔的另一幅《莫特西埃夫人》| 1851|

安格尔笔下的莫特西埃夫人，很有可能是借鉴了提香的一幅淑女肖像，而画中用手指托着头的姿势源于一幅古代湿壁画。

Titian, La Schiavona, 1510–1512

Fresco of Hercules and Telephus from Herculaneum, 1st century BC

27格尔奴叶的浴者
Bathers at La Grenouillère
克劳德·莫奈Claude Monet| 1869 |

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舒伯特「水上吟」

格尔奴叶（La Grenouillère）在有些中文翻译中也被称为“蛙池”，位于巴黎西郊，塞纳河畔。这里是中产阶级喜爱的独家胜地，游客在此可以参与和享受划船、游泳、水疗、餐饮等休闲项目。

莫奈和雷诺阿这两位印象派绘画大师，都觉得这里很适合取景创作一些具有安逸休闲风情的画作。根据莫奈在一封信件中所写，他打算创作一幅尺寸较大的，以格尔奴叶的休闲风光为主题的画作。

但是信中提到的这幅大作品，不知道是压根儿没动笔，还是完成后失传了，总之只留下了两幅尺寸不大的草稿，一幅收藏于英国国家美术馆，另一幅收藏于纽约大都会博物馆。

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由于这幅画作只是一幅草稿，因此它的笔触非常随性，小船和树木多处都是直接粗暴地刷上了颜色，水中的游泳者非常潦草地用画笔点彩而成，你可以清晰地感受到画布上顿挫鲜明的色块。

从这幅画中，可以直观地看到莫奈对树叶、水波和人物的动态描绘，寥寥几笔就抓住了那个时刻复杂而微妙的光影。
度假者交谈和散步的怡然状态，清新的空气，碧波荡漾的水面都有着沁人心脾的舒畅感。仿佛能让人切身步入那个美妙静谧的氛围中，感受那份休闲的惬意。

Claude Monet, La Grenouillère, 1869

Pierre-Auguste Renoir, La Grenouillère, 1869

28阿斯尼埃尔的沐浴
Bathers at Asnières
乔治·修拉Georges Seurat| 1884 |

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德彪西「牧神的午后前奏曲」

以乔治·修拉为代表新印象主义(Neo-Impressionism)是色彩分割理论的拥护者。科学理论表明，阳光照耀下的物体所呈现的色彩是分割开来的，就像和弦变成了琶音一样。
运用「点彩法」将物体的色彩拆解开来，以纯色斑点而非融合的形式混杂在一起，可以让色彩非常饱满明亮。观赏者的视觉会自动将这些分解开来的色彩融合在一起。